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martes, 29 de noviembre de 2016

EL NUEVO CINE CUBANO





                EL NUEVO CINE  CUBANO





           El cine cubano es una de las  claves para comprender el nuevo cine iberoamericano.  A finales de los 50 una ola de renovación, inconformismo y cambio recorrió todos los países iberoamericanos, que duró hasta finales de los 70. En Cuba había triunfado la revolución de Fidel castro y se iniciaba una etapa esperaanzadora en la que todo iba a ser nuevo, el pasado quedaba olvidado y se empezó a vivir los ideales de la revolución. El cine  escapó de la influencia y dominio del cine comercial norteamericano y mexicano que había monopolizado la exhibición.  Para fomentar el cine  se creó el Instituto Cubano del Arte y la Industria  de Cine  (ICAIC). Los creadores realizaron sus nuevas películas bajo la influencia del neorrealismo y del realismo socialista, pero ninguno de estos estilos permitía reflejar la sociedad cubana.


      Otros directores imitaron a la "nouvelle vague" francesa o a autores como Antonioni, pero solo tuvieron éxitos parciales, como Desarraigo de Fausto Canel, un conflicto amoroso, con excelente realización, pero que no interesaba, alejado de lo que estaba sucediendo en la calle


       Fueron años de desconcierto para los directores cubanos hasta que encontraron un estilo  propio, a mediados de los 60, para contar con modernidad los acontecimientos reales. Este cambio, como siempre, fue impulsado por un grupo de líderes que consolidaron la nueva creación, destacando Humberto Solás, Tomás Gutiérrez Alea, Enrique Pineda Barnet, Julio García Espinosa, Santiago Álvarez y Alfredo Guevara.

      
Cuba sí
         Los documentales y  los medio y  cortometrajes encontraron antes un nuevo camino, gracias a la colaboración proporcionada por los mejores realizadores  internacionales en este campo. que colaboraron con los cubanos y rodaron en Cuba. Chris Markrer, autor de Cuba sí, Roman Karmen, Joris Yvens, Teodoro Christensen o Agnes Varda, entre otros. El eficaz informativo, Noticiero ICAIC Lataaianoamericano, que dirigía Santiago Álvarez se convirtió en un vivero de  reportajes y documentales renovadores. Buscó para las noticias un lenguaje nuevo cercano a nuestros videoclips y con un inteligente uso del sonido.

                         
   Las primeras obras que se vieron en España fueron Manuela (1966) de Solás y Vaqueros del caucho (1965) de Oscar L, Valdés, en el Primer Encuentro de Cine Iberoamericano, el año 1966, coincidiendo con el Congreso de Cine Hispanoamericano, organizado por Uniespaña y la Unión de la Cinematografía Hispanoamericana (UCHA). Ambas manifestaciones  se celebraron en Barcelona en el marco de la Semana de Cine en Color. Por parte cubana asistieron como delegados al Encuentro, Raul Taladrid y Manel S. Sampeiro.


       Antonio Cuevas, buen productor de cine español, que formaba parte de la delegación española en el Congreso Hispanoamericano se creyó obligado por el talante del régimen dictatorial español y la ideología conservadora de UCHA a pedir la retirada de los dos documentales cubanos del Encuentro o la suspensión del Congreso. De momento se suspendió la sesión y tras un buen almuerzo en la terraza del Hotel Barcelona se llegó al acuerdo de que ambas manifestaciones podían considerarse independientes por lo que no había que suspender ni el Congreso ni la proyección de los dos documentales cubanos.
                     




        El ICAIC, dirigido por Alfredo Guevara, pilotó la renovación teniendo éxito con los cortos y el documental y se arriesgó a que sus directores rodasen su primera película. La mayoría simples ejercicios que no gustaron al público.



   Hubo algunas obras interesantes como Las doce sillas (1962) de Tomás Gutierrez Alea, que intentó despegarse del neorrealismo apoyado en la comedia norteamericana, anunciando la búsqueda de un estilo y alcanzando gran éxito de público. Un lenguaje innovador vemos en David (1966) de Enrique Pineda Barnet, que funde ficción y documental tratado como ficción para relatar la vida de Frank Pais, un valioso joven de 22 años, comunista, asesinado. Tuvo una aceptación menor.



     En los siguientes Encuentros de Cine Iberoamericano de Barcelona se presentaron dos de las obras claves de este nuevo cine cubano. Las aventuras de Juan Quin Quin (1967)  de Julio García Espinosa, que con dos personajes protagonistas, un aventurero y un fiel amigo,  cuenta la acción de la guerrilla y en paralelo un mundo de aventuras. Tuvo un gran éxito de público por su temática, reflejo de la realidad y ser divertida. Y Lucía (1968) de Humberto Solás, que había obtenido un éxito de público con Manuela, una mujer corriente que se incorpora a la guerrilla realizada con extraordinaria sensibilidad y hallazgos expresivos. Solás vuelve a  demostrar su talento con el tema de la mujer en Cuba, con Lucia, en la que tres ejes, la mujer, la sociedad y el amor. La experimentación narrativa está al servicio de la temática y fue bien recibida por los espectadores.
Lucía


          Por su parte, Octavio Gómez que, desde el inicio de este movimiento, venía intentando dirigir una gran película, lo consigue con Los días del agua (1971), denuncia de la manipulación de los supuestos milagros de Antoñita,  para relanzar una zona de gran pobreza. Y el realizador más notable, Tomás Gutiérrez Alea obtiene un gran éxito de público y de experimentación del lenguaje en La muerte de un burócrata (1966) crítica dura y entretenida de la burocracia que había creado el régimen, hecha desde una posición socialista. Avanza en la experimentación, bien recibida por el público, en Memorias del subdesarrollo(1968), donde combina el rodaje de imágenes, con reportajes, noticias o carteles. situando la trama tras la invasión fracasada de bahía Cochinos y la crisis de los misiles y sus efectos en la sociedad cubana.



    Gutiérrez Alea consigue un nuevo (éxito experimental y de público con La última cena (1976) que descubre el trasfondo de la explotación de esclavos  por aquellos patricios cubanos que tenían fama de ser muy humanos, sobre todo en comparación  con los ricos explotadores de países vecinos. Gutiérrez Alea manifestaba: No debemos condicionarnos por los estrechos márgenes que conducen a la amplificación, que conduce  la banalidad, solo por temor a que no nos comprendan los espectadores.



De fresa y chocolate

              La actitud de los nuevos directores cubanos dio unas décadas de buen cine y dejaron una impronta en el siguiente cine. Pero la preocupación revolucionaria y la inquietud social se fue amortiguando y fue necesario cambiar la temática. Los aciertos en la comedia de Gutiérrez Alea con la comedia abrieron paso a varios directores que cultivaron con acierto este género.

 Gerardo Chijona en Se permuta (1983), divertida crítica de una madre que cambia de barrio queriendo que su hija mejore de posición social y Rolando Díaz con  Los pájaros tirando a la escopeta (1984), dos enamorados deciden conocer a sus respectivas familias, ambas muestran una forma más festiva de tratar los problemas. En la década de los 90 se consolida esta tendencia con Papeles secundarios (1989) de Orlando Rojas y Adorables mentiras (1990) de Gerardo Chijona. El propio Gutiérrez Alea, en su larga carrera da un ejemplo de realización sencilla, con lenguaje propio y crítica social en una rdpl´rndida comedia, Guantanamera (1995), una actualización de la temática de La muerte de un burócrata con diferentes referencias y trama, que confirma el gusto por este género. como había demostrado antes en Fresa y chocolate (1993), codirigida con Juan Carlos Tabío. la confrontación de un homosexual abierto y un joven ortodoxo, apareciendo la tolerancia.



                Ya antes en Alicia en el puwblo de Maravillas (1991) Daniel Díaz Torres había utilizado la comedia para contar la llegada de una joven revolucionaria a un pueblo ficticio donde descubre el conformismo, la corrupción y la falta de entrega. Tiene mérito este resurgir del cine cubano utiliando la comedia que permite la crítica, en un período en el que el ICAIC entró en crisis económica, resuelta en parte con coproducciones europeas, especialmente con España, como  La vida es silbar (1998) de Fernando Pérez, que elige el camino del experi9mentalismo para narrar la búsqueda de la felicidad de sus tres protagonistas con La Habana de cuarto protagobista o Lista de espera (2000) de Juan Carlos Tabío, que utiliza el absurdo para dar entender en esta comedia que la terminal de autobuses domde esperan los pasajeros en realidad es Cuba.




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viernes, 25 de noviembre de 2016

DESGRAVACIONES Y FILM COMMISSIONS


Objetivos, nuevos lugares de rodaje, Film Commissions canarias, La Palma Film Commission, Asociación Internacional de Film Commissions





   Los productores buscan los lugares de rodaje que respondan a las necesidades de los guiones, faciliten la organización y desarrollo de los rodajes y en los que encuentren mayores facilidades para reducir los costes. Estos objetivos, la globaalización y las ventajas fiscales han dado un huevo impulso a la actividad de las Film Commissions, también llamadas Film Offices, entidades públicas o semipúblicas nacidas para atraer rodajes al país, región o municipio del que dependen. En una primera fase promocionaron los lugares de rodaje de su territorio, alojamientos, transporte y datos del lugar y fueron ampliando su actividad con la información de los servicios auxiliares de rodaje existentes en su zona, ayudando en la obtención de permisos de rodaje,  conectando  con los productores, distribuidores y profesionales locales y asesorando en las ventajas de financiación o fiscales públicas. Únicamente les ha estado prohibido involucrarse en las producciones. La política de desgravación a las inversiones en producción de películas o series en diversos países constituye un aliciente importante para atraer rodajes. El hecho que la Comunidad de Canarias disponga de una de las desgravaciones más elevadas ha dado nueva vida a las Film  Commissions allí radicadas  en Las Palmas, Tenerife y Lanzarote a las que se une  la de otra Isla, La Palma.


Aliados

        Durante los cuatro últimos años se han rodado 58 largometrajes en Canarias, ente ellos  superproducciones y han trabajado directores como Robert Zemeckis, Ron Howard o Ridley Scott. El gran atractivo han sido las desgravaciones, que han completado los lugares de rodaje que ofrece Canarias, el clima benigno que permite rodar todo el año como California y la infraestructura de hoteles, material y equipos de rodaje que se han ido incrementando. Estas condiciones han facilitado el trabajo de Gran Canaria Film Commission, Tenerife Film Commision, a las que se unió Lanzarote Film Commission , siendo Fuerteventura y La Gomera lugares que han cautivado a directores y productores extranjeros y peninsulares. A su labor se ha unido la de La Palma Film Commission que aporta nuevos lugares de rodaje. Los incentivos fiscales son comunes para toda Canarias y derivan de la ley del cine de 2007 y del hecho de ser Canarias una Zona Económica Especial en la UE, que aprovechó el Gobierno de Canarias para desarrollarlas y convertir las desgravaciones canarias en una de las más elevadas de la UE. De acuerdo con esta normativa las empresas productoras con domicilio en Canarias desgravan el 40% del primer millón de euros y desciende al 38% con el límite 5 400 000 euros. Y los rodajes de películas extranjeras o de productoras del resto de España tienen una desgravación del 35% con el límite de 4 500 000 euros.  Los últimos cuatro años se ha producido un boom de rodajes en Canarias.

En el corazóón de la noche

         La isla de La Palma incorpora lugares de rodaje nuevos debido a la diversidad de las Islas Canarias. Encontramos una gran riqueza vegetal, busques de tilos, de dragos y de unas coníferas que con la flora son reliquias macronésicas, zonas verdes originales que dieron nombre a la isla, montañas como el Pico de Las Nieves o el  emplazamiento del Observatorio Astronómico, terrenos volcánicos en Teneguía con jardines volcánicos y bajos que entran en el mar, puertos  y un urbanismo en Santa Cruz, la capital, pueblos como Garafía o El Mazo y caseríos que coincide con el que encontramos en países iberoamericanos. Esta variedad de escenarios se encuentran próximos entre sí por lo que abarata costes al estar todos ellos a una distancia corta. Ya han empezado a realizarse rodajes, como la serie Berlin Station y es de esperar que sea descubierta por los productores, que, además de ventajas económicas, busque sitios originales para sus rodajes.


Exodus

        Existe una extensa red de Film Commissions que actúan en los cinco continentes. La Association of Film Commissioners International agrupa a trescientas Film Commissions, las coordina a nivel internacional, apoya encuentros como la reunión de Film Comissions de EEUU y China, organiza anualmente una gran Convención, con   un mercado de esta oficinas para su promoción, celebrándose la próxima en abril de 2017 en Burbank, Los Ángeles. Desarrolla actividades de formación y dos veces al año edita una publicación, Beyond Cinema, que es un buen vehículo de iinformación y promoción. También a nivel europeo funciona la Association Film Commissions European, que representa los intereses de estas entidades ante la Comisión de la UE, que ha intentado limitar el apoyo económico para atraer rodajes a su territorio, iniciativa de la Comisión de la UE que por el momento ha sido detenida. En colaboración con los Atellier du Cinema European fomenta el conocimiento de las Films Commission en reuniones, como la de 2016 en Bergen. A nivel español trata de consolidarse Spain Film Commission que agrupa alas existentes en las Comunidades y municipios españoles, que han visto crecer su importancia.

      


      

sábado, 12 de noviembre de 2016

MEJORES FÓRMULAS PARA LOS CINES



Retos de los exhibidores, modernización de las salas de cine, complejos de cine, concentración, innovación tecnológica, programación de contenidos y gestión comercial



Colosseum Cinema

         El cine sigue teniendo hoy una gran aceptación, pero en cambio las salas que fueron su gran medio d ingresos se enfrentan a dificultades.   Las salas son indispensables para el prestigio del cine, ya que el estreno de las películas en las salas es clave para su promoción. El que sean imprescindible no basta para el mantenimiento de la exhibición, deben ser rentables. La reacción  de los exhibidores para dotarlas de rentabilidad ha determinado en primer lugar su concentración y su paso a la actual era tecnológica dotándolas de proiyectores digitales. En la actualidad funcionan 145 000 salas en el mundo, contando con proyectores digitales 133 000, es decir un 90%. En Europa funcionan 38 000 salas estando digitalizadas el 92% y en breve estarán digitalizadas todas las salas incluyendo las de África, Oceanía o Iberoamérica. Es el paso imprescindible para adecuarse a la digitalización de la producción, ya que las copias en 35mm. desaparecen, tirándose artesanalmente algunas copias para atender a las salas residuales. La proyección utilizando el laser y los proyectores 4K, la evolución de las pantallas y del sonido ha transformado el espectáculo cinematográfico desde Avatar o Del revés. Las innovaciones fueron impulsadas por exhjbidores independientes vocacionales, pero la baja rentabilidad y la necesidad de fuertes inversiones ha fortalecido la tendencia al oligopolio y hoy predominan los grandes  circuitos nacionales e internacionales.  La  concentración de las salas es otra de las respuestas de este sector, acompañada les de la generalizción de las multisalas para multiplicar su oferta . El Colosseum Cinema de Oslo cuenta con 32 salas, como otros siete complejos cinematográficos o Kinepolis en Madrid dispone de 25 salas.  Kinepolis construyó en Europa el primer complejo de salas en Bruselas en 1990, seguido por Kleft t& Kleft de Alemania.


Del revés

        La reforma tecnológica, continúa mejorando la operatividad de las cabinas y la calidad de la proyección con pàntallas de mayores dimensiones y con un incremento de su luminosidad, llegando a 60 000 lúmenes. El sonido sigue ofreciendo novedades, instalando por ejemplo Dlby su último modelo distribuyendo 128 altavoces en la sala, como  en el cine La Maquinista de Barcelona de CINESA. El resultado perseguido es que el cine sea un espectáculo en el que los espectadores se sumerjan en él y que esté entre los favoritos para responder a la necesidad de salida de casa de los ciudadanos o. Estas mejoras se completan con el conjunto de instalaciones, entre las que se encuentran el diseño y comodidad de las butacas y el hecho que los nuevos cines cuentes en su zona con cafeterías, restaurantes y tiendas. Los nuevos que abren en la periferia de las ciudades actúan de polo de desarrollo, creándose en sus alrededores una zona comercial y de ocio Al mismo tiempo los exhibidores utilizan sus salas para congresos y otros eventos. Kinepolis Madrid, que cuenta con 9500 butacas, puede organizar congresos de hasta 5000 participantes. El exhibidor  que de las tres rama del cine, las otras son producción y distribución, era el mas pasivo, ahora también entre sus actividades se encuentra la programación de los contenidos, ahora todos las salas de cine son de estreno. La necesidad de promoción mundial y la propagación instantánea de la información hace que los espectadores deseen ver las películas con inmediatez. Asimismo los cines dedican parte de sus salas a la población infantil y a la juventud que forman el público mayoritario, por lo que abunda la exhiición de películas de acción aventuras y animación, que además responden a las innovaciones tecnológicas. Y han surgido salas especializadas, un desarrollo de los antiguos cines de arte y ensayo, donde hay cabida para reponer películas´´clásicas con copias remasterizadas e impecables, y el estreno de películas minoritarias y en nuestro caso películas europeas y nacionales, aprovechando los exhibidores las subvenciones a nivel europeo y nacional para su exhibición. A la vez convierten algunas sesiones en actos socuales con estrenos especiales únicos y la organización de la presencia de directores y actores Y los complejos dedican algunas salas o sesiones destinadas a contenidos distintos de las películas, como óperas, ballets o retransmisiones deportivas.



       La concentración, la innovación tecnológica y el nuevo modelo empresarial ha permitido una estabilización en la caída de la frecuentación a las salas de cine. Los productores pueden continuar estrenando en las salas, hecho necesario para la explotación en las televisiones de las que proceden sus mayores ingresos. En la década de los 80 los ingresos por la explotación en videocassete, luego DVD, supusieron elevados ingresos, pero en la actualidad son escasos los títulos con gran venta en este mercado, siendo solo e solo excepcionales las ventas masivas, como Titanic o Mamma mia o más recientemente, 2015, Lugares oscuros en el mundo anglosajón. El lanzamiento del blueray tiene como clientes un público minoritario. Internet ha contribuido a la desaparición de esta ventana de explotación como fuente importante de ingresos. La inmediatez del estreno en todas las salas ha  obligado a un cambio en la distribución para que todas las salas cuenten simultáneamente con copias de estreno. Los distribuidores han procedido a una digitalización de su ciclo de operaciones, impulsados por la producción digital.


Star Wars 7
        La gestión comercial de los exhibidores se ha modificado imaginativamente para responder a la demanda actual y aumentar la frecuentación de los asiduos y captar nuevo público. La tarifa íntegra del precio de entrada se mantiene fine de semana y festivos y entre semana existen tarifas reducidas para jubilados, mayores normalmente de 65 años, descuentos para jóvenes, para estudiantes, tarjetas para pases ilimitados, descuentos en las primeras sesiones y un día de la semana, generalmente lunes o miércoles, existe el Día del espectador con descuentos en el precio de la entrada. En España existe la Fiesta del Cine, que durante tres días al año ofrece los precios  mñas reducidos y que ha aumentado la asistencia a un ritmo del 23% anual. El público actual es mayoritariamente joven e infantil, abundando también las personas de la tercera edad. Todas estas iniciativas permiten a las salas de cine seguir siendo una alternativa para el entretenimiento y dadas las innovaciones técnicas de salas y películas y las características de los espectadores las películas de mayor éxito son grandes espectáculos que aprovechan efectos especiales y las innovaciones como Star Wars 7 o Jurassic World (2015), la saga que empezó en 1993 con Parque Jurásico.







viernes, 4 de noviembre de 2016




EL NUEVO CINE PORTUGUÉS


   Estilo experimental y reflejo de la cultura portuguesa 

El ·novo cinema"



     
Los misterios de Lisboa

    A partir e los años 90 el cine portugués consolida su presencia en las pantallas de las salas de cine de Portugal, aumenta el número de coproducciones y adquiere una mayor difusión internacional, que tenía ya un  reconocimiento en los Festivales de Cine.  Capitanes de abril (2000) de Maria de Medeiros, El crimen del Padre Amaro (2005) de Carlos Coelho da Silva sobre la obra de Eça de Queiros tema que la coproducción mexicana-española había ya tenido gran éxito en 2000, Dot.com (2007) de Luis Galvao, Los misterios de Lisboa (2010) de Raul Ruiz, Tabu  (2012) de Miguel Gomes, son películas que muestran una nueva etapa. En 1969 la Fundación Gulbekian impulsó la creación del Centro Portugués de Cine y una Ley en 1971 creó el Instituto de Cine de Portugal, que apoyaron la producción de películas, consiguiéndose   la  la ayuda del Estado,  regulada en la actualidad por la Ley de 2007. que define las obligaciones del Instituto do Cinema e do Audiovisual a través del cual se financia al cine portugués. El Fondo de ayudas se alimenta con la tasa sobre entradas en sals y aportaciones de la Radio Televisao Portuguesa que participa también en la financiación directa del cine portugués.



                La temática bebe en el costumbrismo, los sucesos históricos  y la literatura portuguesa. Su estilo formal lo adquiere en conjunto entre los años 60 y 80, durante el denominado novo cinema portugués, que coincide con  el nuevo cine Iberoamericano. Portugal había sufrido un Golpe de Estado en 1926 y el entonces Ministro de Finanzas, Antonio de Oliveira Salazar se convirtió en el principal artífice de aquel régimen corporativista, autoritario, emparentado con el fascismo. Salazar fue Presidente hasta 1968. Hubo fuerte censura y una policía siniestra, la PIDE. Su sucesor, Macelo Caetano realizó medidas aperturistas, destinadas a mantener el “Estado novo, pero que fueron aprovechadas por los cineastas. La debilidad de su Gobierno le hizo optar por la represión, acabando con este régimen la Revolución del 25, abril, 1974, que estableció la democracia y suprimió la censura.


Verdes años


          En la década de los 60 surge el “novo cinema”, que aporta un aliento poético y una preocupación estética. En sus visiones de la actualidad casi siempre encontramos su relación principalmente con el pasado por la dificultad de hablar del presente. La Universidad, los cineclubs y la Cinemateca, creada en1958, fueron los focos de renovación del cine. Don Roberto (1962) dirigida por Ernesto de Sousa es la película que anuncia este nuevo movimiento, rompiendo con el convencionalismo anterior al mostrar de manera directa y emotiva la vida de un vagabundo soñador que recorre Lisboa con su teatro de marionetas. De Sousa conoció en París a los autores de la “nouvelle vague”, que influyeron en su estilo, agitador del panorama cinematográfico portugués. Fue premiada en el Festival de Cannes, al que Ernesto de Sousa no pudo asistir por haber sido detenido por la PIDE. 1963 es decisivo en las innovaciones cinematográficas. La obra más emblemática es Verdes años (1963) de Paulo Rocha, considerado por algunos críticos como el auténtico rupturista, ya que acusan a Ernesto de Sousa de estar influido aun por el neorrealismo, aunque admiraba la nouvelle vague" francesa. Las dos películas, la de Sousa y la de Rocha, son las que marcan el cambio. Rocha, con gran ternura y el estilo de rodaje en la calle de los directores de la “nouvelle vague, cuenta la vida de un zapatero y de su joven sobrino enamorado de una joven, reflejando el conflicto entre el campo y la ciudad. La lucha por la libertad y contra cualquier tipo de discriminación social o sexual tuvo un defensor en Bernardo Santareno, uno de los primeros escritores en reconocer su homosexualidad y una de sus obras teatrales fue adaptada en el nuevo cine por Manuel Guimaraens en El crimen de Aldea Vieja (1963).


               Profundiza en la Lisboa marginal Belarmino (1964) de Fernando Lopes, con gran belleza debida a la fotografía de Augusto Cabrita. Está estructurada sobre la  entrevista a un antiguo boxeador, Belarmino Fragoso, con un lenguaje popular y sincero, retrata a este exboxeador y refleja al ciudadano corriente.  Fernando Lopes adaptó también una novela de Carlos de Oliveira, intensa y sobria, Una abeja en la lluvia (1972). La construcción en forme de una colmena, le sirve para mostrar un país insolidario, representado por un matrimonio de compromiso de unos ricos hacendados con frecuentes choques. El nuevo cine alcanzó un éxito comercial con Domingo por la tarde (1966) de Antonio Macedo, basado en una novela de Fernando Nomara, quien define su escritura como un modo de descubrimiento y apropiación del mundo. Macedo la convierte en una dura y amarga descripción de la vida cotidiana en un hospital en el que los médicos tratan de que sobrevivan seres sin esperanzas, apareciendo en ese ambiente triste una posibilidad de amor. Blandas costumbres (1972) de Alberto Seixas Santos narra las vicisitudes de una familia burguesa al tiempo que describe la historia del “Estado Novo”, terminando con la intervención de las Fuerzas Armadas, clara premonición de la Revolución de 1974. Antonio-Pedro Vasconcelos, estudiante con una beca en la Sorbona de París, es meritorio en un rodaje de Roberto Rossellini. Realiza a su regreso a Portugal Perdidos de cien (1973). Un gran maestro, creador del “cine directo”, que en algunas de sus obras combina documental y ficción, es Antonio Reis, con gran dominio de la luz y la elaboración de las imágenes, como muestra su corto Jaime (1974) o Tras-os montes 1976) codirigida con Margarida Cordeiro.
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Benilde la virgen madre

     

       Manoel de Oliveira es un autor excepcional en el cine portugués y en el mundial. No solo continuó dirigiendo a los 106 años a un ritmo de una película cada año, sino que conservó su espíritu de aficionado, realizando siempre la obra que deseaba. Es un innovador que se convirtió en un clásico en vida. El estilo de planos generales y predominio del contenido de De Oliveira surge a partir del documental El pintor y la ciudad (1956), que mezcla con ficción,  al relatar el paseo por Oporto del pintor Antonio Cruz, muestra una mirada sobre Oporto, la gente que entra y sale de sus trabajos, los edificios antiguos y los modernos o escenas de  los chiquillos en la calle. Su estilo se confirma en Acto de primavera (1962), ficción sobre una base documental, al describir la representación popular, en una aldea, de una Pasión de Cristo y la vigencia de los valores cristianos. Y mostró su creatividad con la imagen en Oporto paneles  (1963). Durante la Dictadura se dedica básicamente al documental por los obstáculos que encuentra para realizar ficción y desarrolla su preocupación etnográfica que se encuentra en todos sus trabajos, como Rabago alto (1966)Una de las películas de Oliveira, con un estilo de diálogos bruscos y una cierta teatralidad  es El presente y el pasado (1972), que con humor cuenta como una mujer desequilibrada amarga la vida de su marido, que encuentra la muere en un accidente. Casada de nuevo mitifica a su anterior marido, provocando el suicidio del actual. Reaparece un hombre exacto a su primer marido, en realidad es él, ya que en el accidente murió su hermano gemelo, y ya casados, reanuda las alabanzas al marido anterior. Unos diálogos absurdos muestran el vacío de los personajes. En Benilde, la virgen madre (1975), se  basa en una obra teatral de José Regio, buen analista de la sociedad y de los conflictos con la religión. Recrea un suceso ocurrido en el Alentejo. La hija de unos ricos hacendados se encuentra embarazada, sin  que haya tenido relaciones con ningún varón, por lo que el hijo se atribuye a la voluntad divina. Dirigió su última película, El viejo de Belén, (2014), un año antes de su muerte.

             El "nuevo cine portugués" tuvo su auge en los 60 y 70, después empieza a abandonarle el público, que en estos últimos años se intenta recuperar con un cine más próximo a los espectadores y al entretenimiento.  Conserva un tono experimental y es innovador, situándose dentro de lo que se denomina cine de autor, que le convierte en habitual de los Festivales y se gana el aprecio `de círculos minoritarios.